D’après l’opéra de John Adams, Dr Atomic produit par L’Opéra National du Rhin aborde le thème faustien du projet Manhattan et de la création de la première bombe atomique.

Réalisé par Studio A+E, le contenu vidéo omniprésent aborde une vision scénographique contemporaine en apportant une augmentation visuelle sur plusieurs niveaux d’écrans pour une immersion totale.

Récompensé par le prix de la critique 2014 catégorie Meilleur dispositif avec Bruno Delavenère.

Mise en scène : Lucinda Childs
Direction musicale : Patrick Davin
Décors / Costumes : Bruno de Lavenère
Mise en lumière : David Debrinay (LAM)
Création Vidéo : Etienne Guiol & Arnaud Pottier - Studio A+E

Opéra de Nice
Novembre 2020

Du point de vue du compositeur, cette œuvre est l’aboutissement de ses deux autres opéras biographiques, Einstein on the Beach (sur Albert Einstein) et Satyagraha (sur Mahatma Gandhi). Ces trois personnages - Akhenaton, Einstein et Gandhi - sont tous animés par une vision intérieure qui a altéré l’âge dans lequel ils vivent et évoluent, particulièrement Akhenaton dans la religion, Einstein dans la science et Gandhi dans la politique.

Le texte, tiré de sources originales, est chanté dans les langues d’origines, et lié par une narration dans une langue moderne, comme l’anglais ou l’allemand. Les textes Égyptiens de cette période sont issus du poème d’Akhenaton lui-même, dans le Livre des Morts, et des extraits de décrets et de lettres de la période amarnienne, les dix-sept ans de règne d’Akhenaton. D’autres passages sont en akkadien et en hébreu biblique. L’Hymne du Soleil, d’Akhenaton, est chanté dans la langue du public.

Directeur : Lucinda Child
Direction musicale : Léo Warynski
Décoration et costumes : Bruno de Lavenère
Lumières : David Debrinay - LAM
Conception et contenu vidéo : Étienne Guiol & Arnaud Pottier - Studio A+E
Captation vidéo : David Michalak

Sleeping Beauty est une création originale pour le Basel Theater du chorégraphe d'origine madrilène et officiant à Chicago, Alejandro Cerrudo. Une interprétation aérienne, brute, sombre et personnelle, du célèbre conte de Charles Perrault, La Belle au Bois Dormant.
La danse est dynamique et flottante, massive et inquiétante, percutante et figurative. La mise en scène envoûtante d'Alejandro Cerrudo, la scénographie minimale et intelligente de Bruno De Lavenère ainsi que la musique entre Tchaikovsky et Philip Glass conduite par Thomas Herzog, viennent immerger le spectateur dans une expérience sensorielle totale hypnotisante. Le lourd travail vidéo/lumière de David Debrinay et Studio A+E offre au ballet une mise en volume labyrinthique et vertigineuse.

Mise en scène : Alejandro Cerrudo
Orchestre : Thomas Herzog
Chorégraphie : Alejandro Cerrudo
Scénographie : Bruno de Lavenère
Costumes : Karen Young
Lumière : David Debrinay (LAM)
Direction video : Etienne Guiol - Studio A+E
Création video : Studio A+E & Patrick Garbit

Graphic, 3D, Captation, Videoprojection

Projet : Etienne Guiol

An artistic performance featuring dancer by Hajiba Fahmy. As an expression of Alaïa’s modernity, pieces from Editions will appear simultaneously projected, illuminated and embodied with sensuality and strength. Through this multi-dimensional event, creation evokes emotion. Heritage becomes transmission.

Music by ChapelierFou

Henri VIII est l'opéra français grandiose dans toute sa splendeur. Dans ce triangle amoureux pour les âges, un roi Tudor infâme est déterminé à divorcer de Catherine d'Aragon au profit de l'ambitieuse et belle Anne Boleyn. Les passages vocaux exquis de Saint-Saëns et sa riche orchestration donnent vie à ce chef-d'œuvre rarement joué dans cette nouvelle production "grandiose et captivante"

Mise en scène: Jean-Romain Vesperini
Assistante mise en scène: Olga Paliakova
Scénographie: Bruno de Lavenère
Costumes: Alain Blanchot
Lumières: Christophe Chaupin
Vidéo: Studio A+E / Etienne Guiol, Thomas Ocampo

Héritage
Accor Arena

Un rendez-vous inèdit

Le lendemain de la fête de l'amour, le temps devra s'arrêter, et les émotions de chacun d'entre vous ne devront être dirigées que par "HERITAGE".

Dadju et Tayc se sont unis pour un album de 15 titres à découvrir, en immersion totale, et ce, avant le reste du monde.

Cette oeuvre essentielle sur le désir, la sexualité, l'amour inaccessible et la mort revient sur la scène du Teatro de la Maestranza, après 14 ans d'absence.

Inspiré par une légende médiévale d'origine celtique, Tristan und Isolde a guidé l’avant-garde musicale de son époque, poussant la tonalité à un point de non-retour. Son chromatisme, son instabilité harmonique, sa voluptuosité exacerbée et son angoisse orchestrale constituent un symbole du pouvoir du sentiment sur la raison, nous entraînant dans le mystère profond de la nuit abyssale, d'un amour impossible qui transcende la vie et ne peut être atteint qu'au-delà de la mort.

Cet opéra représente l'apogée du drame musical wagnérien, où la musique, le texte et l'action scénique se rejoignent dans une unité de continuité qui est un sommet du romantisme allemand et de ses thèmes métaphysiques. L'une des expériences les plus belles et les plus troublantes qu'on puisse vivre dans un opéra.

Direction musicale: Henrik Nánási
Mise en scène & scénographie: Allex Aguilera
Costumes: Jesús Ruiz
Lumières : Luis Perdiguero
Création vidéo: Studio A+E / Arnaud Pottier, Nicolas Bono

Opéra national du Rhin
Strasbourg
Février 2021

S’inspirant du chef-d’œuvre du septième art réalisé par Wim Wenders, Bruno Bouché met en scène « Les Ailes du Désir » à l’Opéra national du Rhin. La musique et le geste dansé invitent à se pencher sur le mystère de l’incarnation. Dans une effervescence de stimulation des sens, le spectacle saisit ses spectateurs.

Mise en scène/chorégraphie : Bruno Bouché
Composition et dramaturgie musicale : Bruno Bouché, Jamie Man
Scénographie : Aurélie Maestre
Costumes : Thibaut Welchlin
Contenu vidéo : Etienne Guiol – Studio A+E
Lumières : David Debrinay – LAM

L’Opéra Royal de Wallonie-Liège ouvre sa saison 2023-2024 avec “Idoménée, roi de Crète” de Mozart. La mise en scène traduit en diverses vagues sonores et visuelles cette confrontation entre la toute-puissance de l’amour et la toute-puissance des divinités :

C’est au-dessus d’une fosse océanique, et au milieu de vagues omniprésentes au plateau que se déchaînent les voix : les décors et lumières évoquent avec sobriété les eaux depuis lesquelles Neptune sévit, en attente du sacrifice promis par Idomeneo, roi de Crète. Tissus diaphanes, costumes fluides, projection vidéo d’une mer tantôt apaisée, tantôt sombre et hostile.

Direction musicale: Fabio Biondi
Mise en scène : Jean-Louis Grinda
Décors et lumières : Laurent Castaingt
Costumes : Jorge Jara
Vidéos : Studio A+E / Arnaud Pottier

Le 6 mai 1938 à Rome, alors que Hitler rencontre Mussolini à Rome lors d’un défilé marquant l’entente fasciste de l’Allemagne et l’Italie, une rencontre inattendue a lieu dans un immeuble déserté de ses habitants partis pour assister à cet événement historique. Antonietta, femme au foyer et mère de six enfants, frappe à la porte de Gabriele, un chroniqueur sportif célibataire, afin de récupérer son perroquet qui s’est échappé de sa cage et réfugié sur le rebord de la fenêtre de ce voisin inconnu.

Contre toute attente, l’épouse modèle et admiratrice du Duce, garante de la bonne tenue idéologique de son foyer, et le journaliste cultivé, fraichement licencié en raison de son homosexualité et séparé de son compagnon, finissent par se livrer l’un à l’autre. Dans un silence fragile car souvent rompu par la concierge sympathisante du régime qui observe de loin la rencontre avec suspicion, et par sa radio qui relate la rencontre des deux dictateurs, Gabriele exprime la douleur liée à sa sexualité dans une société virile et misogyne, tandis qu’Antonietta avoue son désarroi de femme non instruite et d’épouse trompée. La qualité de l’écoute de l’une répond aux attentions de l’autre.

mise en scène: Lilo Baur
scénographie: Bruno de Lavenère
costumes: Agnès Falque
lumières: Laurent Castaingt
musique: Mich Ochowiak
vidéo: Studio A+E / Etienne Guiol

avec :
Laetitia Casta (Antonietta)
Roschdy Zem (Gabriele)
Joan Bellviure (Emanuele)
Sandra Choquet (La concierge)

Production : Claire Béjanin et Valérie Six - Au Contraire Productions ;
En coproduction avec le Théâtre de Carouge - Les Théâtres - Le Théâtre National de Nice

Opéra donné en création mondiale le 19 avril au Théâtre Graslin de Nantes, Maria Republica est une tragédie adaptée du roman éponyme de Augustin Gomez-Arcos. Dans un français brut, acéré, forgé à la sueur de l'exil, il transforme le destin de cette prostituée, contaminée par malchance, contaminant par vengeance, en celui d'une putain rouge, sauvage et rebelle, jetée au couvent pour y faire repentance.

Récompensé par le prix de la critique 2016 catégorie Meilleur Création Musicale

Compositeur : François Paris
Direction Musicale : Daniel Kawka
Mise en Scène : Gilles Rico
Préparation des Chanteurs : Rachid Safir
Scénographie : Bruno de Lavenère
Costumes : Violaine Thel
Lumières : Bertrand Couderc
Création Vidéo : Studio A+E

Décrit de son temps comme un « miracle », « excellent à tous égard et extrêmement plaisant », Arminio a disparu de l’affiche durant près de deux cents ans, après seulement six représentations au Covent Garden de Londres, entre le 12 janvier et le 12 février 1737. L’époque contemporaine a de même injustement négligé cet ouvrage, qui est ainsi mûr aujourd’hui pour une réévaluation et un traitement adapté au public moderne. Cette histoire héroïque, basée sur des événements situés aux confins germaniques de l’Empire romain, est ici ressuscitée par une nouvelle production admirable de Parnassus et de son directeur artistique Max Emanuel Cencic. Arminio s’inscrit dans la série des opéras seria de Haendel inaugurée en 2012, avec un succès inégalé, par la mise en scène et l’enregistrement CD d’Alessandro, plusieurs fois primés.

Orchestre : Armonia Atenea
Directeur musical : George Petrou
Directeur : Max Emanuel Cencic
Décor, Lumière : Helmut Stürmer
Costumes : Helmut Stürmer, Corina Gramosteanu
Dramaturgie : Michael Fichtenholz
Création vidéo : Studio A+E - Arnaud Pottier

Monte-Carlo - Monaco
Avril 2021

BORIS GODOUNOV
de Modeste Moussorgski (version 1869)

Œuvre malmenée par les pouvoirs publics avant sa création en 1874, Boris Godounov n’en reste pas moins le titre le plus mythique de l’opéra russe. Modeste Moussorgski, fonctionnaire rongé par son alcoolisme et compositeur aussi novateur qu’imprévisible, n’était peut-être pas humainement armé pour défendre sa conception originale achevée en 1869. La direction des Théâtres impériaux va lui imposer des changements multiples qui vont transformer son propos : ce qui était le portrait d’un homme à l’ambition dévorante, dans un face à face avec « son » peuple puis rongé jusqu’à en mourir par son crime originel devient un immense tableau de la société russe du XVIe siècle et de ses soubresauts politiques. Grâce au travail de Pavel Lamm (1928), les volontés premières de Moussorgski nous sont connues et l’on constate que la version primitive est bien plus proche du texte de Pouchkine que la version remaniée. L’Opéra de Monte-Carlo a choisi de mettre à l’honneur pour la première fois cette version plus synthétique et psychologiquement puissante. Dans cet écrin intime, la vie et les tourments du tsar Boris prendront un relief et une puissance dramatique uniques.

Chœur de l’Opéra de Monte-Carlo
Chœur d'enfants de l'Académie de musique Rainier III
Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo
Nouvelle production, en coproduction avec l’Opéra Grand Avignon

Direction musicale : Konstantin Tchoudovski
Mise en scène : Jean-Romain Vesperini
Décors : Bruno de Lavenère
Costumes : Alain Blanchot
Lumières : Bertrand Couderc
Conception vidéo : Etienne Guiol & Arnaud Pottier - Studio A+E
Chef de chœur : Stefano Visconti

Opéra en quatre actes, 1887
Livret de Ippolit Shpazhinsky
Musique de Piotr Ilitch Tchaïkovski

L’iconoclaste metteur en scène Andreiy Zholdak livre une version de l’Enchanteresse entre modernisme et irrévérence.

Direction musicale : Daniele Rustioni
Mise en scène et décors : Andriy Zholdak
Lumières : Andriy Zholdak et les équipes lumières de l'Opéra de Lyon
Décors : Daniel Zholdak
Costumes : Simon Machabeli
Création Vidéo : Etienne Guiol - Studio A+E
Conseiller dramaturgique : Georges Banu
Chef des Choeurs : Christophe Heil

Catone in Utica est un opéra de Léonard Vinci qui raconte l’affrontement entre la sagesse Catone et le pouvoir César.

Une production Parnassus Art Production, avec l’orchestre Il Pomo d’Oro, sous la direction de Riccardo Minasi, présenté à l’Opéra de Wiesbaden en Allemagne, et à l’Opéra Royal de Versailles.

Création Vidéo : Etienne Guiol - Studio A+E
Direction : Riccardo Minasi
Production : Parnassus Arts Productions
Coproduction : Opéra Royal / Château de Versailles Spectacles / Opéra Wiesbaden
Mise en scène : Jakob Peters-Messer
Chef d’orchestre : Riccardo Minasi
Orchestre : Il Pomo d’Oro

Sur un texte de Pouchkine et des musiques de R.Korsakov adaptées à la percussion par G.Lecointe - Les Percussions Claviers de Lyon, Théatre de la Croix Rousse - le Coq d’Or est un spectacle musical pour tous où les animations et illustrations projetées sur scène racontent l’histoire et immergent la musique et le spectateur dans un univers de conte russe.

Récompensé par le prix de la critique 2014 catégorie Meilleur dispositif avec Bruno Delavenère.

Création vidéo : Etienne Guiol - Studio A+E
Direction musicale : G.Lecointe
Mise en scène : J.Lacornerie
Scénographie : Bruno Delavenère
Crédits photos : Marie Anglade, Jean François Satoni

Chorégies d’Orange 2019 / 150éme anniversaire

Opéra en 4 actes Musique de Gioacchino Rossini (1792-1868). Livret de Victor-Joseph Etienne de Jouy et Hyppolyte-Louis-Florent Bis. Création : Paris, Opéra, salle Le Peletier, 3 août 1829

Guillaume Tell est une œuvre d’une beauté stupéfiante. Vingt ans avant le printemps des peuples, Rossini choisit, pour son ultime opéra, une grande ode à la liberté inspirée de Schiller. Un peuple lutte pour sa liberté et trouve son héros en son sein. Face aux incomparables beautés de cette partition, on ne sait ce qu’il faut admirer le plus : les airs, duos, trios élégiaques ou héroïques, les grandes scènes de chœurs, l’élégance ou la violence des scènes dévolues aux ballets, l’exaltation de la Nature ou l’extraordinaire final. On demeure interdit si l’on songe qu’en 1829 Rossini a 37 ans et qu’il choisit librement de se retirer de la vie musicale. On peut imaginer que lui, le grand maître du bel canto, a senti l’arrivée du grand opéra à la française et la fin du règne des bariténors, eux-mêmes héritiers des castrats adulés. Il a compris que son idéal esthétique était révolu et qu’il fallait se retirer tout en montrant que lui aussi était capable, une fois encore, d’être précurseur. C’est avec une grande fébrilité que Paris attendit le premier grand opéra français de Rossini !

Direction musicale : Gianluca Capuano
Mise en scène : Jean-Louis Grinda
Décors : Eric Chevalier
Costumes : Françoise Raybaud
Lumières : Laurent Castaingt
Chorégraphie : Eugénie Andrin
Conception et contenu vidéo : Arnaud Pottier & Etienne Guiol - Studio A+E

Béla Bartók

Opéra en un acte, 1918
Livret de Béla Balázs
Orchestre de l'Opéra de Lyon

Direction musicale : Titus Engel
Mise en scène : Andriy Zholdak
Décors : Daniel Zholdak
Costumes : Simon Machabeli
Dramaturgie : Georges Banu
Création vidéo : Studio A+E
Production : Opéra de Lyon

De l’Ancien Testament à Cecil B. DeMille, les sulfureuses relations amoureuses de Samson et Dalila n’ont cessé de susciter condamnations morales et fébrilités inavouables. Est-ce un total hasard que soit revenue à Camille Saint-Saëns la tâche de mettre en musique pour l’éternité cette fable biblique au parfum capiteux ? Même si le compositeur du Carnaval des animaux et de la Grande Symphonie en ut majeur s’est parfois fourvoyé à la scène, manquant de cette inspiration sans laquelle il n’y a point de chef-d’œuvre, il trouve avec Samson et Dalila le chemin de la réussite. L’érotisme qui sous-tend cet épisode de la Bible ne pouvait que le fasciner et le contexte sacré lui offrir un paravent idéal pour cacher au monde son intense sensualité. Au-delà du rôle emblématique de Samson, vaillant dans tous les sens du terme, c’est à Dalila que revient la musique la plus marquante de l’ouvrage. Si l’écroulement final captive le spectateur et rassure la morale, ce sont bien les phrases caressantes de l’héroïne qui nous bouleversent. Camille Saint-Saëns, grand admirateur de la Principauté, cachait bien son jeu, mais voilà que son opéra nous le dévoile.

Direction musicale : Kazuki Yamada
Mise en scène : Jean-Louis Grinda
Décors et costumes : Agostino Arrivabene
Lumières : Laurent Castaingt
Conception et contenu vidéo : Studio A+E / Arnaud Pottier
Chorégraphie : Eugénie Andrin
Chef de chœur : Stefano Visconti

Pour leur événement « A View From Her » à Pékin, la célèbre maison de couture Hermès a commandé à la chorégraphe américaine Lucinda Childs de réaliser une pièce chorégraphique pour neuf robes.

Nine Dresses met en scène neuf danseuses dans un environnement vidéo où les images virtuelles et réelles se mêlent d’une manière graphique et chorégraphique.
10 caméras / 10 angles de vue parfaitement synchronisés avec les danseuses ont été nécessaire pour emmener le spectateur se perdre dans un moment de danse et d’image.

Chorégraphie : Lucinda Childs
Robes : Nadège Vanhee-Cybulski
Création Vidéo : Etienne Guiol - Studio A+E
Lumière : David Debrinay
Direction musicale : Pilooski
Production : Hermès International
Musique Teaser : Paul Lecomte

Tout au long de son immense carrière, Giuseppe Verdi s’est abreuvé auprès des plus grands dramaturges. Mais il est un auteur qu’il plaçait au-dessus des autres : William Shakespeare, dont il fit dès son plus jeune âge une sorte de référence absolue. Après Macbeth en 1847 et le Roi Lear, opéra fantôme auquel il travailla en vain pendant 25 ans, Verdi consacrera ses dernières années à ce qui constituera la synthèse de son génie : Otello et Falstaff. Ces deux œuvres sont étroitement liées, ne serait-ce parce que Verdi y collabore avec le même poète, Arrigo Boito, le librettiste qu’il avait tout au long de sa carrière appelé de ses vœux. Après des années d’interminables échanges entre les deux hommes, Otello devient enfin réalité. Au lendemain de la création Ferrucio Busoni s’extasie : « Otello est le sommet le plus élevé jamais atteint par la musique d’opéra italienne, que ce soit sur le plan de l’invention et du contenu que sur celui de la forme et du message». Lorsque le rideau tombe lentement sur les cadavres enlacés du Maure et de Desdémone, tout est dit : la vanité de tout sentiment à l’exception de l’amour, qui seul survit à la mort.

Direction musicale : Daniele Callegari
Mise en scène : Allex Aguilera
Scénographie : Bruno de Lavenère
Costumes : Françoise Raybaud
Lumières : Laurent Castaingt
Vidéo : Studio A+E

Avec : Gregory Kunde, Maria Agresta, George Petean, Ioan Hotea, Reinaldo Macias, In-Sung Sim, Cristina Damian, Jean-Marie Delpas, Andrea Albertoli.

Atelier de construction : Atelier Thomas Marias Athènes.

L'ouverture de saison 2015 de la Scala célèbre Verdi et son opéra Giovanna di Arco, véritable chef d'œuvre de jeunesse du compositeur. Une mise en scène prenant à contrepied l'histoire classique de Jeanne d'Arc en la transposant sur les visions intimes ou délirantes d'une jeune femme du XIXème siècle.

Producteur : Teatro alla Scala, Milano
Direction musicale : Ricardo Chailly
Mise en scène : Moshe Leiser et Patrice Caurier
Scénographie : Christian Fenouillat
Lumières : Christophe Forey
Costumes : Agostino Cavalca
Chorégraphie : Leah Hausman
Création Vidéo : Etienne Guiol - Studio A+E

Le célèbre opéra de Vincenzo Bellini où se joue le casta diva se pose ici dans un décor souterrain d'où l'on peut apercevoir le monde extérieur uniquement par un grand oculus central.

Direction musicale : Fabrizio Maria Carminati
Mise en scène : Frédéric Roels
Chorégraphie : Dominique Boivin
Assisté de Christine Erbé
Scénographie : Bruno de Lavenère
Costumes : Lionel Lessire
Lumières : Laurent Castaingt
Création Vidéo : Studio A+E

Un Opéra bouffe en quatre actes de Jacques Offenbach où l’on chante les travers d’une société parisienne étourdit de plaisirs et de fêtes. Avec ce vaudeville où s’enchaînent tubes sur tubes, Offenbach donne à l’opérette ses plus belles lettres de noblesse.

Création Vidéo : Etienne Guiol - Studio A+E
Producteur : Opéra National du Rhin, ONR
Direction Musicale : Claude Schnitzler
Mise en scène : Waut Koeken
Décors : Bruno Delavenère
Lumières : Nathalie Perrier
Costumes : Carmen Van Nyvelseel
Chorégraphie : Philippe Giraudeau

OPERA DE LAUSANNE 2018

La Donna del Lago est un opéra seria en deux actes de Rossini, sur un livret d'Andrea Leone Tottola d'après le poème de Walter Scott The Lady of the Lake (1810).

Le metteur en scène et contre ténor Max Emmanuel Cencic transpose ici le décor et l’histoire des Highlands dans une maison close de la fin du XIXième siècle. Les personnages sont ceux d’un grand tableau qui prend vie et remplit l’espace de son atmosphère impudique et baroque.

Direction Musicale : George Petrou
Mise en scène : Max Emanuel Cencic
Scénographie : Bruno de Lavenère
Costumes : Bruno de Lavenère
Lumières : David Debrinay (LAM)
Création Vidéo : Studio A+E
Assistante mise en scène : Constantina Psoma

La Belle Hélène est certainement l’un des opéras-bouffes les plus connus. La musique entraînante d’Offenbach est pour la première fois associée aux irrésistibles jeux de mots et traits d’esprit des librettistes Meilhac et Halévy. La muse légère à son apothéose.

Création Vidéo : Arnaud Pottier & Etienne Guiol - Studio A+E
Producteur : Grand Théatre de Genève
Musique : Gérard Daguerre / Alan Woodbridge
Mise en scène : Robert Sandoz
Scénographie : Bruno de Lavenère
Lumières : Simon Trottet
Costumes : Anne-Laure Futin
Chorégraphie : Philippe Giraudeau